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MAGIC MONSTERS – Solo Exhibition by Tomáš JETELA at the prestigious Galerie Nová Síň (Prague – CZ)

until September 25, 2022

A few weeks ago, during an interview about his latest exhibition “Princesses” at the Toyen Gallery, Tomáš JETELA revealed some clues about his upcoming projects. Since the opening of his solo exhibition at the prestigious and historic Nová Síň Gallery in Prague on September 13, we now know more about his “Magic Monsters”.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň

Split personalities, psychological duality, alliance of opposites… the exhibition explores the ambivalence of beings and things… the coexistence of shadow and light.

By invoking magic in the title, the artist casts a spell on us and awakens in us this paradox as fascinating as it is terrifying. Indeed, Nigromancy (black magic) and mageia (white magic) have colored magic for centuries with both evil and beneficial intentions…. like people who waver between the beautiful and the ugly, the good and the bad… an existential dilemma.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň

In the context of this exhibition, we must first outline the very special atmosphere that emanates from the Nová Síň gallery. The showroom is presented as an immaculate cube whose grid floor responds to the structure of the large glass roof which floods the room with diffused and harmonious light. The works themselves, through certain geometric patterns (grids of squares, etc.), echo this matrix, this algorithm. The visitor enters the heart of the system. The symmetry is striking like a reflection… returning like a « shared dream » of the movie “Inception”… disturbing like the bedroom at the end of « 2001, A Space Odyssey »… There is an air of science fiction!

By a regular, airy, linear hanging, of identical large formats, the artist (in the manner of Stanley Kubrick) then knew how to play with the magic of the place and appropriate it to stage the exhibition with cinematographic rigor, and a keen sense of storytelling. In particular, he succeeded in preserving (which was also dear to the American director) the illusion that the light emerges from the scene itself.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

On either side, the canvases follow each other, the portraits face each other like a guard of honor leading the visitor to the monumental triptych arranged at the back of the room like a sacred altarpiece… a masterpiece!

The triptych obeys several directions of narration that are both alternative and complementary (vertical and horizontal). The composition unfolds from bottom to top like a vaporous allegory of the cycle of life, mixing figuration and Vanitas… Each canvas has a more imposing figure than the others, and a dominant color (bright pink as the common denominator). These figures, invoked, appear as if by magic… bloodthirsty monsters or radiant divinities… superheroes with different supernatural powers. A hand finally emerges from each canvas, expressive and enveloping to form an embrace of the triptych… as if these united figures held the world in their hands… a fraternal unity of humanity… an Ode to Joy!

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

An exhibition being in a way the final and enigmatic sequence of a long creative process of thought and realization of the idea, of the dream, towards the canvas, the visitor placed at the entrance of the room finds himself facing to this triptych like astronaut David Bowman facing the black monolith… a portal to a rebirth!

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

All of the exhibited works thus present much more than the character of a simple object… they are parts, moments, of the artist’s life… priceless!



Exhibition view – « Princesses » – Galerie Toyen

You currently have a solo-show at Galerie Toyen called “Princesses”? What led you to this exclusively feminine theme of exhibition?

I was wondering about which part of my work I would present and two major factors led me to the topic of women. On one hand, it came naturally to my mind as, lately, I’ve been painting women more than before (feminine subjects appeared more often). On the other hand, I saw a sign in the name of the gallery itself, named Toyen. She was an important Czech surrealist painter who established herself in the art world at a time when it was more of a male affair. She was one of the few women.

In general, how important is the choice of the title of a work or exhibition for you? How do you choose a title and have you ever given a new title to an older work?

The older (and wiser ;)) I am, the more I realize that the title of the work has great meaning. Coming up with a name is the same creative activity as painting a picture… it’s poetry. With the title, I want to indicate (preferably in a poetic form) what is behind the creation of the work or what led me to its creation, to point the viewer into a certain direction (for the perception/acceptance/understanding of the image). But I do not want to deprive him of the opportunity to find new or different connections, observations and other levels of understanding. A title that literally and directly establishes or dictates how to read the picture or from which angle to look at it is not ideal. It should be mysterious rather than literal, direct and descriptive. It should be knotted like a thought in a poem.

Sometimes when I finish a picture, the result reminds me of something, evokes something (for example, from literature, from a movie, etc.) and it can then lead to the title… but this is not always the case. For example, a detail in a picture can lead to a title. It can also emerge from anything that accompanied the creation of the image or get out of it.

Now for renaming older works… I do it all the time. Sometimes an older work gets multiple titles (over time/years). Over time it is perceived differently or the original name loses its meaning. The picture gives me new associations or outlines other realities and we find something new in it…

Exhibition view – « Princesses » – Galerie Toyen

Across the different works and titles, the social spectrum (and timeline) of the women represented in this “Princesses” exhibition is very large… from the “underworld” to “divinity”. So what is your definition of “princesses”?

I associate princesses with my childhood. The girls played princesses, they wanted to be them. In fairy tales, we see the princess as the heroine, as the main character (or one of the main characters) of the story, with whom things usually turn out well. Good triumphs over evil, etc. It’s a certain archetype (either this type of story or the princess ideal). After the adventures, the princess gets everything she wanted.

As I said, it is an archetype that appears in oral and written transmission throughout the centuries. It reminds me of today’s American Dream. This brings me to the point that I could say that in today’s world, women from show-business (actresses, singers, models…) are similar to the princesses from stories… simply successful women from all possible industries.

All these icons fulfill the princess ideal. Princesses were defined just like these everywhere in the eyes of women today. That’s why in some names I refer to the world of the sacred (divinity)… Further to the names : we also find here references to masterpieces of the past, it’s connected… my admiration for the painters whose works I quote is similar to the one I mentioned earlier (icons, idealized women…). It occurs to me that by creating an ideal we somehow kill a living being, we create a distorted image that robs and surpasses a specific person… life is replaced by virtuality, fiction…

Furthermore, the titles contain references to songs and films that evoke or remind us of the life of a princess (as everyone generally imagines it)… Dolce vita, California dreaming…

Of course, princesses can also be evil… but this deviates from the image that society has created about the princess and which is generally accepted as correct and legitimate.. From the essence of the archetype, we see this being as the pinnacle of culture, beauty, etc. there is also an element of privilege.

This is an artificially created being in unconscious psychic processes that have been going on for centuries. It is part of the collective unconscious. Stories have been gaining strength and power for centuries, and we count ourselves on the sacrificial altar of this configuration (this arrangement of human existence).

Exhibition view – « Princesses » – Galerie Toyen

Old masters”, pop-culture, dreams, films/series, history, magazines, litterature, photography… could you tell us more about where those “princesses” come from… from which kind of “realm”?

From what realm… as I already outlined in the previous words… formerly from the world of stories today, from the media world. Actually, social networks are full of them, they allow everyone to fulfill their dreams, to be princesses. Women, but also men show their “princess face” (when I talk about a princess, I primarily mean the generally accepted ideal that I already mentioned).

Fair Fairy, 150 x 100 cm, Acrylic and Oil on canvas, 2022 (Left) / The Universe on a bowl, 170 x 100 cm, Acrylic and Oil on canvas, 2022 (Right)

You took part in several “summer” exhibitions in CZ, among which other women are portraited, often depicted as smoking or so called “femme fatale”. What is the importance of this particular esthetic in your work?

« Femme fatale » is another fascinating archetype from the world of art and literature… I associate with superheroes from comics… with supernatural abilities but not always with good intentions.

I have always been fascinated by characters from the underworld and superheroes. I think the femme fatale has something from both of these worlds. This duality is interesting to me.

Triptych Virgignes Vestales I/II/III, 3 x 150 x 100 cm, Acryl and Oil on canvas, 2021/22

What’s coming next… How is the preparation of the next season going and do you already have a theme in mind for your upcoming show(s)?

About what’s coming next, I will connect this to the previous question…

I am currently thinking about this relationship of two incompatible aspects occurring in one package. The most famous and enlightening example is Dr. Jekyll and Mr. Hyde. It’s another archetype. For example, Hulk and Dr. Baner are represented in the comics… I think that figurative painting is primarily about psychology and therefore this topic of split personality (or schizophrenia and multiple personalities) is very engaging, fascinating, interesting and full of possibilities for how to grasp and process this topic.

Another example is the god Janus… Here I see the occurrence of this archetype for centuries. I would like something from thinking about this dualism to appear in the paintings in my next exhibition called “Magic Monsters”. Even the title is supposed to indicate the direction of my thinking or to outline this theme… magic carries with it something that enchants us, and even if it brings the problem of what is and is not real, from my point of view it is the bright part of the title. But in the background of the show we also see the dark possibility.

On the contrary, monsters carry with them negative connotations… from a general point of view… but from another angle we can see that a monster can bring great things to the world with his monstrous actions. From this context we can talk about an act of genius as a monstrous matter and equate between genius and monster.

One of your works stands out by its almost abstraction and deprivation of colors… “Spirit of alcohol”. In an exhibition called “princesses”, can you explain why and how this spirit is feminine?

You could say that girls were partly responsible for my earlier problems with alcohol. When I was younger I was very shy, basically it was hard for me to talk/communicate with people ; especially with girls of my age and even more with those I liked. So I started to solve this handicap with alcohol. I recommend it, it is an invaluable help…

That’s why the name, this spirit hovers over women like an old friend, it’s like a hazy memory of lost youth, like a ghost from the past who was first a friend and later a nightmare…

Exhibition view – « Princesses » – Galerie Toyen

There are several smaller square formats (60 x 60 cm) in the exhibition. How does it affect the composition of a work and are you at ease with this format?

It’s not a format that I often use but it’s not a problem to deal with it. The main thing is that this format is very simple to make a decision. When you have a rectangular format, you have to think about how to adapt the composition (for example from a photography to the canvas) and decide if it’s better to use it horizontally or vertically (also depending on the number of figures you want to represent). Whereas, with a square format, the figure finds its place naturally and the composition will be identical whatever orientation you choose in the beginning. It’s a smaller adventure!

Moreover, these canvases also had the interesting characteristic of having a thickness of 6 cm ; which increases its physical presence.

You have “Art is easy” inscripted on the arm you are painting with. How does it affect the action of painting or thinking?

This sentence comes regularly in the texts of some artists… but this tattoo was a mistake of an alcohol-fuelled night… both euphoric and unreasonable.

It’s a reminder of bad times in the past, when I painted drunk to feel the euphoria and lightness… without fear. Now that I don’t drink anymore, this tattoo is here to convince me to do things with enthusiasm and without fear.

As Czeck artists we use the term “Utahanỳ” for paintings (which can be translated as “exhausted”) to describe the direction taken by a painting… and you don’t see that it is getting worse and worse… you don’t see the degradation of the process. On the contrary, you think it’s better.

Sometimes people make mistakes and don’t realize it immediately or don’t see how things get worse. The most difficult thing is to know when to stop… that’s also a usual lesson that we learn at the Artschool and Academy… “you have to know when it’s finished”.

Exhibition view – « Princesses » – Galerie Toyen

Current show : Princesses – Galerie Toyen (Prague) – Until August 31th

Upcoming show : Magic Monsters – Nová Síň – From September 14th to 25th –

More info on :




„Alchemy“ is the title of the new solo-show of Tomas Jetela at the Gallery Crears. A consistent set of more than 100 works from different periods, styles and techniques occupy two different spaces with their own atmosphere and mood.

The partitions punctuate, give rhythm to the space, but do not confine the works into an unnecessary claustrophobia… as all those characters, this crowd, need space. They could move around with the visitor… a waltz of faces… a public space full of encounters.

Courtesy of the artist – Photo : Marek Tihelka

As for the discipline of Alchemy, there is in this exhibition of works and personalities a mystery that relies on the expressions and untold stories or memories of those figures. They all have their behavior and state of mind like a sample of society trying to stay afloat… a human comedy and its false pretence.

Courtesy of the artist – Photo : Marek Tihelka

From the raw material of a canvas, colors or papers, to a singular, intelligible and intimate portrait, the artist performs a kind of transmutation… giving life to the material and to the soul. The accumulation of portraits acts like a catalyst for the visitor and produces a tremendous and liberating energy.

Courtesy of the artist – Photo Marek Tihelka

Following the psychological dimension of Alchemy (C.G. Jung), this Great Work is more than a simple transmutation of material but an invitation to an inner work, an extraction process… a way to sublimate oneself and touch the extraordinary.

If anything this collection of works proves that the artist can turn anything into gold.

Courtesy of the artist – Photo : Marek Tihelka

Exhibition details :

  • Stage Garden Gallery Crears (Pavilion) – From 23 april to 4 june 2022 – Rožnov pod Radhoštěm (CZ)
  • Galerie Crears (Villa) – From 23 april to 23 july 2022 – Rožnov pod Radhoštěm (CZ)

More info :


Na verandě / On the porch – 180 x 130 cm – Mixed Media on Canvas – 2019

In addition to the format, the composition also stands out by the dynamics of its lines and colors.

It is centered on the character of the young girl and the dog standing next to her. The two obliques formed by their bodies cross at the level of the animals head which looks at her as if to console her. Her slightly tilted posture, the elbow resting on the back of the bench on which she is almost slouched are giving a feeling of depth. The feet crossed forward and pointed like a ballerina’s give the impression of a suspended dance. Her gaze follows the oblique of her body, underlined too by her hair, to get lost in the void. The dog’s fur is enhanced with bluish collages and seems almost sculptural. It might be trying to understand her thoughts or even comfort her. Rather than greet it with a friendly caress the young girl’s hand melts into her dress, draping and folding with it. Her face betrays her youth but the touches of red add uneasiness to the dark gaze tilted downwards.

The collages in the background do not only serve as ornament or abstract environment. They juxtapose, overlap black and white drawings or color photos, without clear delineation or hierarchy. A story within a story, a « mise-en-abîme ». Scraps of paper, organized tears, which evoke a fountain of ideas, thoughts … as much visions of the outside world as interior memories … The autopsy of a head in a state of reflection or spleen… a box of pandora.

Gushing light or exterior attack, we also note that an upper layer of colored collage forms sharp lines which radiate around the young girl and structures the underlying fragmentation.

Prometheus – 150 x 100 cm – Mixed Media on Canvas – 2020

With Prometheus the artist references the iconographic tradition to conjure the notion of punishment for stealing forbidden knowledge. The persons face pours out of the center, in three-quarter, almost shattering the canvas like glass. It is stoic and unflinching, even though injured at the forehead and rent by two birds. The eyesockets are empty, the cheeks sore to the point where we can suspect muscles but without a single drop of blood and without a single cry.

Neither of the birds is the usual caucasian eagle devouring the titan’s liver, but they are nonetheless very present. A raven and – symmetrically – a dove in flight, contrasting black and white endow the scene with movement. Is it the struggle between good and evil or the simple rivalry about the same prize? Their feathers carry blood, but we don’t know whose.

The commotion is only accentuated by the collages that are scattered around the background like shards, around the head, like a stained-glass window going from shades of blue and black to bordeaux.

Titan of the mythos or tortured artist, difficult to say, as the person holds a brush in his right hand, the attribute of a martyr. He looks upon his tool with a disfigured tranquility like an instrument of power.

As Platon wrote about Prometheus in his Protagoras, he had stolen from the gods together with the knowledge of fire, the knowledge of the arts. Without fire, the knowledge of the arts had been impossible and useless -… a man without vision.

Cuckoo – 170 x 120 cm – Oil on Canvas – 2021

Reflecting on the impact of this portrait starts by considering its format. A visage, two meters high and painted in a reduced color palette of strong contrast (in the style of “Harcourt” photographies) imposes a natural presence. Light and shadow confront each other as much as they compound in a variation of gray and beige.

The head-on position and symmetry together with the light coming from the right create long shadows that sculpt or burrow into the face such that it almost dissolves into them. It expresses a strong duality, mysterious and sensual, attraction and menace… a modern incarnation of a « femme fatale ».

In addition to the format, the effect is also accentuated by the choice of a very low viewpoint looking up to and a haughty air on the face. Black eyes direct their gaze along the diagonal like a chilling ray to us. The cigarette lodged between half-open lips commands to ascend physical and psychological axis.

Splatters and scratches undoubtedly suffered by the still fresh paint don’t alter or mutilate the beauty but add movement and a certain volatile energy to this apparition, like cigarette fumes or an errant gust of wind.

Šach-mat / Checkmate – Mixed Media on Canvas – 120 x 100 cm – 2020

The composition is colorful and appears positive at first sight with tones of blue and rose.

The background, maybe evoking a wall, is lined with blue and white but the lines end in a sudden blackness, maybe a ceiling, and seem to trickle onto the person below.

In reality they find themselves checkmate. On their face we can see the tension and concentration of a relentless game. Their slanting look onto their playing hand is draped in a frown in search of the next move. The skin is blueish, a color cold like the gesture and the chilling feeling of losing control, or life. The arm slightly raised creases (brown) the immaculate costume (blue tones). The opposition of warm and cold colors suggest seizure by either fever or a shudder at the behest of adrenaline, the game makes one dizzy, to the point of losing oneself.

The look is indirect and evokes empathy for the king threatened to be unescapeably captured with the next move, unless the game is interrupted. This situation can be interpreted literally but above all, as so often, metaphorically and even more fatalistically, because we do not see a chessboard but rather a collage of rags and debris in front of this man. Rather than challenging the viewer in a game of chess the man seems to be searching a way out of his own existential dread.

The man’s face is cold, showing the same lines as the background… a reflexion or his gradual disappearance, while his clothes remain perfectly opaque. The incisive blackness gives a feeling of a shrinking room about to crush the person, the vertical lines become the bars of a prison cell locking them into a state of cabin fever, claustrophobic of themselves, restricted to their own body.

Zimní slunovrat / Winter Solstice – 180 x 130 cm Technique mixte sur toile – 2020

The work is intense and of a particular relentlessness by nature of the depicted scene but also the organisation of colors and the technique employed.

From the central figure at the point of convergence to the cracks that seem like incandescent lava under crystallized rock, everything just screams darkness and engulfment.

The figure seems equally naked and clad in collages, a second skin almost like chunks of cloth down to the representation of the stockings, kneeling in what could be a pool of blood, feet uncomfortably contorted resting on but the tips of the toes. The arms evoke crucifixion or quartering while a stake pushes into the lower-abdomen, forming a new line that cuts those formed by the body.

All over the body specks of color stand out like mutilations of a martyr. Both arms dissolve into obscurity. At these points of dissolution the collages form capillaries at the surface that could be veines or signs of surface friction caused by some supernatural force.

In the bottom left corner of the canvas a sectioned forearm appears without blood or distortion. It is floating and liveless could be perceived as made of wood. The palm turned upward doesn’t betray any pain but could suggest some interaction with the stake positioned on the same axis: a sacrifice or autogenesis (historically the cult of Mithras had associated blood and fertility of the soil and associated with this time of the year).

As for the face, it does not express suffering or resignation but rather determined inner rage or even vengeance. The high forehead and jaw pressed shut strengthen the line from the cheekbones and underline the look. The head snapped back, blond hair flowing over the face while its eyes are turned upward so violently as to show only the white of the eyeballs, give it an inquisitive look. The viewer is witness or culprit.

Behind it all we see a ray of blue cutting into the darkness. The winter solstice transforms into a plea when the oppression of day by night is at its apex. The sun stays still (“sol stat”) and day seems to start pushing back the darkness… the blue color is an agent of hope, a flare of hope amidst chaos. The dynamic of the day and night cycle, of life and death will go on. The invincible sun (“sol invictus”) and the birthing sun (“sol natalis”) are one and the same.

150 x 100 cm – Mixed Media on Canvas – 2021

This work may seem more innocuous than the ones we have discussed so far but it has some particularities and is well suited for introspection.

The colors are very tender on a light rosé background that is covering collages and almostappears like velvet… the feeling of making a blank slate, liberating oneself from the past and writing a new page. The background is mostly monolithic but we can spot hints of transparent abstract forms.

We see the bust of a woman in frontal perspective organizing the canvas into a symmetrical composition. The tone of her skin, hues of beige and rose, is in elegant correspondence to the background, while her swirling brown hair and slightly dipping head bestow contrast and movement without impacting the harmony of lines.

Her face seems relaxed and contemplative. Brown eyes aren’t directly looking at the viewer but staring emptily… this moment of mental bluescreen or searching for connection (or spleen if you prefer), where the mind ceases to analyse the exterior world to concentrate on inner thoughts beyond space and time.

The observer is naturally gripped by empathy and would like to know her thoughts at once!

The image of a “Thinker” is only strengthened by the slightly gaping mouth and her face resting on her right hand, that leans lightly on a table. The hand is stylized, equally hiding and unmasking her face… a possible ambiguity of the moment. As for the other hand, it rests on the table in an inclined parallel to her collarbone, balancing her body slightly to the front and suggesting the arms movement beyond the confines of the canvas.

The canvas is treated with a peculiar method of scratching the surface of the paint, where figurative and abstract expressionism meet. The curves intersect delicately like graffiti or calligraphy. Despite the depth made apparent in this way, one doesn’t perceive these cuts as lesions or wounds and they do not detract from the girl’s beauty. They even add to the movement and well-rounded composition while accentuating an atmosphere of confusion… thoughts whirling and mingling in an interior storm.

Velcí kamaradi / Good Friends – 200 x 150 cm – Mixed Media on Canvas – 2018

The title suggests, with some ambiguity, an interpretation of the scene as showing “good friends”. Both figures carry a skull without jaws on their shoulders, one blue the other red, a warm and a cold color of maximal contrast that could mean a difference of temperament, personality or destiny (more or less negative).

Just by looking at these two young men side by side (one crouching, the other sitting on something like a table) casually jovial, one looking at the other and their hands resting on eachother’s shoulder, we get the sense of complicity and trust, of simple longstanding friendship.

However, following their lines of sight challenges this interpretation. Their respective heads are so close to the colored skulls, that they could just as well be looking at the latter. Likewise, the hand resting on the right shoulder of the figure to the left does not necessarily belong to the other man and could just as well be the embrace of death itself.

Rather than a scene of camaraderie of two people, it becomes one of man (life) and death (like a double portrait)… or even the camaraderie of both men with their respective destinies as one inseparable and universal whole. Would it then be, that we wander around with our destiny riding on our shoulders like a tamed monkey that retained some of its wild and imprevisible, uncontrollable nature? Destiny, our best and most loyal companion?

Meanwhile, the background is composed of various printed text, drawings and engravings like an archive of knowledge and memories, while the collages forming the table are more geometric and abstract and could signify a still unexplored future, uncertain and to be written up to the final period dictated by destiny.

A double vanitas in all its splendour!

This work is an oil painting on paper, not a canvas. This gives the impression of thicker layers of color (because the base is thin) and a very “dry” look.

The smaller format and reduced color palette also contribute to the particularly vivid and spontaneous form of the lines… a more intimate and direct approach to the subject… even more so as the chosen composition is a perfectly symmetrical frontal view.

Rusalka is a reference to slavic mythology that became an important figure during romanticism in literature (Erben, Němcová) as well as music (Dvořák) and painting.

One is naturally tempted to associate the face of Rusalka with Dvořák’s opera… in which case it would be a non idealized portrait of this water creature who left her home to enter the realm of man. Rejected by her love, she is condemned to err as a fantom (Bludička) who in the end returns to her lake to ask for a kiss of forgiveness, that will kill him.

Following this musical parallel, that invites us to look at Rusalka like we would listen to her voice… the pale face, the brown, undulating hair (maybe even wet), the dark and gloomy look as well as the hollow cheeks all suggest to situate this beautiful and terrifying apparition in the third act… at that tragic moment of Jarosav Kvapils libretto where Rusalka, cursed but still smitten with love exclaims to the Prince who had come to ask her forgiveness:

„Neither alive nor dead, neither women nor nymph,
accursed, I wander as a phantom.
In vain, for a moment in your arms
I dreamed of my pitiful love.
Your lover I was,
but now I’m only your death!
« .

( Živa ni mrtva, žena ni víla,
prokleta bloudím mátohou,
marně jsem chvíli v loktech tvých snila
ubohou lásku, lásku svou.
Milenkou tvojí kdysi jsem byla,
ale teď jsem jen smrtí tvou! )


Outre le format, la composition se démarque par la dynamique des lignes et des couleurs.

La composition est centrée sur le personnage de la jeune fille et du chien qui se tient à ses côtés. Les deux obliques formées par leurs corps se croisent au niveau de la tête de l’animal qui la regarde comme pour la consoler. Légèrement inclinée et le coude apposé sur le dossier de la banquette sur laquelle elle est assise, la jeune fille s’avachit en arrière, donnant un sentiment de profondeur. Les pieds croisés en avant et en pointe comme une ballerine donnent l’impression d’une danse immobile. Son regard suit l’oblique de son corps, encore soulignée par sa chevelure, pour se perdre dans le vide. Le chien, dont le pelage rehaussé de collages bleutés le rendent presque sculptural, semble vouloir percer ses pensées voire la réconforter. Plutôt qu’une caresse amicale, la main de la jeune fille se fond à sa robe comme pour en devenir des plis. Son visage trahit sa jeunesse mais les touches de rouge ajoutent une certaine dramaturgie au regard noir incliné vers le bas.

A l’arrière plan, les collages ne font pas que servir d’ornement ou d’environnement abstrait. Ils se jouxtent, se superposent, dessins noirs et blancs ou photographies en couleurs, sans délimitation nette ni hiérarchie. Une histoire dans l’histoire, une mise en abîme. Des bribes de papier, de déchirures organisées, qui évoquent un bouillonnement d’idées, de pensées… autant de visions du monde extérieur que de souvenirs intérieurs… L’autopsie d’une boîte crânienne en état de réflexion ou de Spleen… Une boîte de Pandore.

Lumière jaillissante ou attaque extérieure, on note également qu’une couche supérieure de collages colorés, forme des lignes aigues qui rayonnent autour de la jeune fille et structure la fragmentation sous-jacente.

Prometheus – 150 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2020

Avec Prométhée, le choix iconographique fait référence au châtiment pour avoir volé le feu aux dieux. Semblant briser la toile comme du verre, le visage du personnage jaillit au centre, dans une posture de trois-quart. Malgré une mutilation au front et les oiseaux déchirant sa peau ; le visage reste impénétrable, sans douleur… malgré les orbites vidées et les joues écorchées qui laissent affleurer le muscle sans effusion de sang et sans un cri.

Ce n’est pas l’aigle du Caucase qui lui dévore habituellement le foie, mais les oiseaux sont tout de même présents dans la scène. Un corbeau et, symétriquement, une colombe en vol, en plus du contraste du noir et du blanc, apportent une certaine agitation à la scène. Lutte entre le bien et le mal ou rivalité autour d’une même proie, leurs plumages portent des traces de sang (mais lequel). La fracas de la scène est accentué en arrière plan par les collages qui forment des éclats, des bris acérés autour de la tête du personnage, comme un vitrail allant du noir au bleu en passant par le bordeaux.

Titan mythologique ou artiste supplicié, il tient un pinceau de sa main droite comme un attribut de saint marthyr. D’un calme défiguré, ce qui reste de regard est orienté vers la pointe du pinceau comme un instrument de pouvoir et de vérité.

Or, Platon écrivait dans Protagoras à propos de Prométhée qu’il vole aux dieux « la connaissance des arts avec le feu ; car, sans le feu, la connaissance des arts était impossible et inutile » … en somme un homme sans vision.

Cuckoo – 170 x 120 cm – Huile sur toile – 2021

Mesurer l’impact de ce portrait passe d’abord par considérer son format. Un visage de presque deux mètres de haut, une palette réduite et un fort contraste (à la manière d’une photographie style „Harcourt“), forcent une présence naturelle. L’ombre et la lumière se confrontent autant qu’ils se confondent dans un camaïeu de gris et d’ocre très clair.

La position frontale et symétrique, associée à une lumière venant de la droite, créé des ombres portées qui sculptent, subliment ou creusent le visage qui semble se diluer dans l’ombre. Aussi mystérieux que sensuel, le visage affiche une dualité affirmée… attraction et danger… une incarnation moderne de la femme fatale dans l’art.

L’effet est encore accentué, outre par le format, par une contre-plongée sur le visage au port altier qui place le regard en position de toiser l’observateur. Les yeux noirs n’en ont pas moins un éclat qui dirigent le regard suivant la diagonale de la toile, comme un rayon, jusqu’à nous. La cigarette pincée entre des lèvres entrouvertes souligne encore cet axe d’ascendant physique et psychologique… sans issue.

Les projections abstraites et grattages de la peinture encore fraîche ne mutilent pas et n’altèrent pas la beauté mais apportent un certain mouvement, une énergie volatile (comme une fumée de cigarette ou une bouffée délirante) à cette apparition.

Šach-mat / Echec et mat – 120 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2020

La composition est colorée et les tons apparaissent plutôt positifs de prime abord allant dans les bleus et les roses vifs. Le fond (qui peut évoquer un mur) est rayé de bleu et blanc mais les lignes sont arrêtées en haut par un aplat de noir (un plafond) et semblent couler plus bas sur le personnage.

La situation est pourtant à l’échec et mat. La concentration et la tension d’une partie sans issue se lisent sur le visage du personnage (les yeux, la bouche…). Le regard oblique est tourné vers le bas, sous un sourcil froncé, en direction de sa main qui cherche nerveusement la solution. Elle est bleutée… une couleur froide comme le geste et comme un sentiment glacé de perdre le contrôle, voire la vie. Le bras est légèrement relevé formant des plis (bruns) agités sur son costume impeccable (qui a des reflets bleutés également). L’opposition de couleurs chaudes et froides, laissent éveiller une fièvre où sueur et frisson oscillent au gré de l’adrénaline… grisé par le jeu… jusqu’à se perdre soi-même.

Le regard n’est pas direct et force l’observateur à l’empathie, à se placer dans cette situation du roi menacé de capture au prochain coup et qui ne peut pas l’éviter… sauf en mettant fin à la partie. Elle peut s’interpréter littéralement mais surtout (et comme souvent) métaphoriquement et plus fatalement car il n’y a pas de plateau de jeu mais des bribes de collages colorés devant cet homme. L’observateur n’est sans doute pas plus un adversaire de jeu que l’homme face à lui-même, affairé à trouver une issue à sa propre existence.

Le visage de l’homme est froid, arborant les même rayures que le fond… réflexion ou disparition progressive de lui-même alors que sa tenue reste parfaitement opaque. L’aplat noir donne le sentiment d’une pièce qui se tasse et écrase le personnage (le ciel lui tombe sur la tête)… les rayures bleues et blanches évoquent alors de plus en plus les barreaux d’une prison (même psychologique) qui enferment l’homme… dans une Cabin Fever… une claustrophobie du Soi qui n’a pour seule frontière que son propre corps.

Zimní slunovrat / Solstice d’hiver – 180 x 130 cm – Technique mixte sur toile – 2020

La toile est d’une intensité et d’un fracas particuliers de par la scène elle-même mais aussi l’organisation des couleurs et la technique utilisée.

Entre lignes convergeant vers le personnage central et les craquellements semblables à une lave incandescente sous une surface noire de roche cristallisée… l’ambiance est aux ténèbres et à l’engloutissement.

Le personnage central apparaît tout à la fois dénudé et revêtu de collages, comme une seconde peau, des lambeaux, jusque dans la représentation des bas. Il se tient à genoux dans ce qui pourrait être une flaque de sang, le pied douloureusement contorsionné pour reposer seulement sur la pointe des orteils. Les bras écartés évoquent comme une crucifixion ou un écartèlement, tandis qu’un pieu est enfoncé au bas du ventre pour venir tracer une nouvelle ligne croisant celle formée par le corps du personnage.

Les touches de couleurs sur le corps ressortent en épaisseur comme des mutilations, des stigmates de martyr. Les bras eux se perdent de part et d’autre, comme brisés ou scellés à l’obscurité. A cet endroit précis, les collages laissent apparaître une capillarité verte qui se forme à la surface, évoquant autant des veines qu’une possible friction, une énergie surnaturelle prête à être délivrée.

A l’angle inférieur gauche de la toile, un avant bras droit (le sien ?) apparaît nettement sectionnée, sans effusion de sang ni crispation. Il semble à la fois flottant et inanimé et revêt presque l’apparence d’un objet de bois. La paume ouverte vers le haut n’exprime aucune douleur mais pourrait suggérer une possible interaction avec le pieu qui se trouve dans l’axe… un sacrifice ou une autogenèse (le culte ancien de Mithra, correspondant à cette période de l’année, ayant toujours lié le sang à la fertilité du sol).

Le visage, quant à lui, n’est pas à la souffrance ou à l’abdication mais exprime plutôt une rage intérieure et déterminée voire vengeresse. Le front haut et la mâchoire serrée rehaussent la ligne des pommettes qui soulignent encore le regard. Le visage incliné, balayé par des cheveux blonds qui retombent en avant alors que les yeux sont tournés vers le haut, en dévoilant jusqu’au blanc inférieur de l’oeil, lui donne un air inquisiteur. L’observateur est placé en situation de témoin voire d’adversaire coupable.

Derrière son visage, on remarque enfin un rayon de bleu clair qui scinde l’obscurité. Le solstice d’hiver se meut en supplice, à l’écrasement maximal du jour par la nuit. Le soleil s’arrêté („sol stat“) et le jour semble en état de résister et repousser les ténèbres… Le bleu agit ici comme une lumière d’espoir, un sursaut de vie au milieu du chaos. La dynamique du cycle du jour et de la nuit, de la vie et de la mort doit se poursuivre encore.

C’est à la fois le „sol invictus“ (soleil invincible) et le „sol natalis“ (sa renaissance).

150 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2021

Ce portrait peut paraître plus anodin par rapport aux oeuvres précédemment évoquées mais présente des singularités et permet d’aller vers l’introspection.

La toile est d’une tonalité très douce avec un fond clair, rosé et presque velouté qui recouvre des collages… comme pour faire table rase du passé de ce support et écrire une page nouvelle. Le fond est uni mais on devine encore certaines formes (devenues abstraites) en transparence.

La femme est positionnée en buste, de face, et ordonne une certaine symétrie à la composition. Sa carnation qui tend vers le beige-rosé répond élégamment à la couleur de l’arrière plan, tandis que sa coiffure brune toute en volutes et courbes, apporte à la fois contraste et mouvement (avec une légère inclinaison de la tête) sans rompre l’harmonie des lignes.

Le visage apparaît sans tension mais méditatif, distrait. Le regard brun n’est pas dirigé vers l’observateur mais un peu déporté et semble perdu dans le vide… à cet instant de „bug“ (parfois de Spleen) où l’esprit cesse d’analyser le monde extérieur pour se focaliser sur une pensée intérieure… hors du temps et de l’espace. L’observateur est naturellement aspiré par l’empathie et voudrait bien connaître la pensée de cet instant. La bouche légèrement entrouverte de la jeune femme et sa main droite délicatement posée sur son visage, alors qu’elle est accoudée à une table, accentue encore cette apparence de „Penseuse“. La main est stylisée, à la fois dissimulant et dévoilant le visage… comme une possible hésitation. Quant à sa main gauche elle est posée sur la table et forme une ligne inclinée, parallèle à sa clavicule marquée, pour balancer le corps en avant et suggérer le mouvement du bras hors du champ de la toile.

Quant au traitement singulier de la toile par le grattage de la couche supérieure de peinture, cela scelle une forme de rencontre entre expressionnisme figuratif et abstrait. Les courbes se creusent en filigrane comme une calligraphie ou un graffiti. Malgré la profondeur que cela inscrit dans la matière, elle n’apparaît pas cicatricielle et n’altère pas la beauté du personnage. Elle ajoute même un mouvement et de la rondeur à la composition tout en accentuant un certain état de confusion… des pensées qui se mêlent et tourbillonnent comme une tempête intérieure… le doute.

Velcí kamaradi / Bons camarades – 200 x 150 cm – Technique mixte sur toile – 2018

Le titre de la toile nous oriente, non sans ambiguïté, vers l’interprétation d’une scène de „bons camarades“. Les deux personnages sont chacun accompagnés d’un crâne (sans mâchoire) posé sur leur épaule… l’un rouge l’autre bleu… une couleur chaude et une couleur froide qui contrastent fortement et pourraient traduire une différence de personnalité, de tempérament ou de destin (plus ou moins négatif).

A voir ces deux jeunes hommes côte à côte (l’un accroupi et l’autre assis à ce qui pourrait être un bureau), assez décontractés et joviaux, le regard tourné l’un vers l’autre et la main posée sur l’épaule, on pourrait déceler dans ce geste de complicité et de confiance, une simple camaraderie de longue date. Pourtant, si l’on suit les regards et les lignes de la composition, cette interprétation devient trop partielle. En effet, les regards entre les deux camarades pourraient tout aussi bien être dirigés vers leurs crânes respectifs en raison de la proximité telle à leur visage qu’ils se touchent et semblent presque être la deuxième tête d’un même corps. De même la main qui est posée sur l’épaule droite du personnage de gauche ne provient pas forcément de l’autre homme mais pourrait être une accolade de la mort elle-même.

Ce n’est plus une scène de camaraderie de deux hommes mais la camaraderie de l’homme (la vie) avec la mort (comme un double portrait)… voire d’une camaraderie « d’ensemble » des deux hommes et de leurs destins respectifs comme un tout indissociable et universel. On se promènerait alors toujours avec notre destin sur l’épaule comme un singe domestiqué mais resté sauvage et imprévisible… incontrôlable… Le destin pour meilleur et fidèle camarade.

Quant au fond, il est composé en haut de collages imprimés de textes, de dessins et de gravures variés comme une archive de connaissances et de souvenirs passés tandis que devant eux et formant une sorte de bureau, les collages sont plus géométriques et abstraits et pourraient évoquer l’avenir encore à explorer, à conquérir… mais à la fois incertain et à écrire… jusqu’au point final dicté par le destin.

Une double vanité dans toute sa splendeur.

Rusalka – 40,5 x 29,6 cm – Huile sur papier – 2020

L’oeuvre n’est cette fois ci pas sur toile mais une huile sur papier, ce qui donne le sentiment d’une touche plus épaisse (le support étant fin) et „sèche“. Le format et les tons plus réduits contribuent également à un aspect particulièrement vif et spontané des lignes… une confrontation plus direct et intimiste au sujet… d’autant que la position est parfaitement frontale et symétrique.

Rusalka est une référence à la mythologie slave (devenue une figure romantique importante tant dans la littérature, la musique que dans la peinture). On est naturellement tenté ici de mettre en visage sur la Rusalka de l’opéra de Dvorak…. Il s’agirait alors d’un portrait non idéalisée de cette créature des eaux qui a abandonné sa voix pour regagner la terre des hommes. Ses espoirs d’amour déçus, elle est finalement condamnée à errer comme un fantôme (Bludička ) pour avoir été rejetée par le Prince ; avant le temps des regrets et qu’il ne revienne au lac l’implorer de lui donner un baiser mortel.

Si l’on poursuit ce parallèle musical qui invite à regarder Rusalka comme on en écouterait sa voix… la pâleur du visage, le front découvert mais les cheveux bruns ondoyants (peut-être même humides), le regard noir et sévère ainsi que les joues creuses, nous invitent à situer cette apparition à la fois belle et terrifiante dans le troisième acte… à cet instant tragique du livret de Jaroslav Kvatil où Rusalka maudite, mais encore éprise, déclame au Prince revenu l’implorer : „ Ni vivante ni morte, ni femme ni nymphe / maudite, j’erre comme un fantôme, / en vain, pour un moment dans vos bras / j’ai rêvé de mon pitoyable amour. / Votre amante j’étais, / mais maintenant je suis seulement votre mort ! “

( Živa ni mrtva, žena ni víla,
prokleta bloudím mátohou,
marně jsem chvíli v loktech tvých snila
ubohou lásku, lásku svou.
Milenkou tvojí kdysi jsem byla,
ale teď jsem jen smrtí tvou! )


Se limiter à décrire l’oeuvre de Tomáš Jetela comme « l’art tel qu’il devrait être » serait sans doute un raccourci à la fois trop sommaire pour en révéler la juste valeur et un tantinet brutal pour la grande diversité des expressions artistiques indispensables pour faire une époque.

Pourtant, c’est avec ce jugement sans doute partial et provocateur, que j’introduis cet article pour mettre en évidence qu’il y a là quelque chose de spécial et de rare, de l’ordre du génie.

Tomáš Jetela est un artiste tchèque qui a su démontrer que l’expressionnisme figuratif a gardé toute sa pertinence dans l’art contemporain. La prouesse n’est pas que technique mais d’ordre intellectuel, psychologique ; ce que j’aime qualifier avec le terme allemand d’ « innere Schau » (ou « vision intérieure »). Ce sont des portraits qui peuvent être quelqu’un mais tout aussi bien n’importe qui… le corps n’étant finalement qu’un prétexte. On se retrouve face à eux, face à nous-mêmes ; introspectifs. On y voit moins la personne qu’un état d’esprit, une sensation intérieure.

La toile n’est pas là pour « faire joli » et encore moins pour faire comme tout le monde. La priorité n’est alors pas d’être plaisante, séduisante ou décorative, mais de faire réagir et surtout ressentir ; même inconsciemment. Elle interpelle et ne peut laisser indifférent celui qui la regarde ; quitte à s’avérer clivante.

C’est d’ailleurs sans doute là que réside le plus grand réalisme, pas celui que l’on voit mais celui que l’on ressent… une expérience du Soi profond. N’en déplaise aux happiness managers et aux vendeurs de rêves, la vie émotionnelle est un panel d’états d’âme, plus ou moins vulnérables, et il n’est de plus grand art que celui qui arrive à s’en saisir sans détour ni concession.

S’il s’agit bien d’un expressionnisme, parfois ponctué de citations à des maîtres du genre, mais qui se caractérise toujours par une grande originalité. Il offre un regard nouveau sur l’homme d’aujourd’hui et invente un langage artistique singulier, personnel, qui ne sombre ni dans la facilité, ni dans l’imitation.

La touche est vive, la ligne est claire et déterminée, presque évidente, pour souligner une expression, un geste, une posture. Parfois la silhouette s’étire, dans un effet brossé, comme un instant furtif, lancé à pleine vitesse, où la réalité du corps est là sans être là ; un mirage -rêve ou fantôme. Les visages, comme la carnation, souvent pâles, parfois veinés, ont leur vécu, leurs pensées, leurs violences intérieures et leurs secrets impénétrables. Les regards, à la pupille noire qui émerge de cette pâleur, projettent autant qu’ils absorbent. Ils sont tantôt évasifs tantôt frontaux comme une prise à témoin directe et sans échappatoire. On ne sort pas indemne de la confrontation. Les figures blêmes mais lumineuses se détachent sur des fonds plus abstraits, qu’il s’agisse d’un simple vide ou d’un agrégat plus complexe de morceaux colorés, de collages… l’ oeuvre s’épaissit, se texture et devient composite, comme des bribes de souvenirs et d’existence.

En résumé, Tomáš Jetela semble manier avec une aisance et un talent insolents, la complexité de l’être.

Pour en savoir plus :

Tomáš Jetela (détails)