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MAGIC MONSTERS – Solo Exhibition by Tomáš JETELA at the prestigious Galerie Nová Síň (Prague – CZ)

until September 25, 2022

A few weeks ago, during an interview about his latest exhibition “Princesses” at the Toyen Gallery, Tomáš JETELA revealed some clues about his upcoming projects. Since the opening of his solo exhibition at the prestigious and historic Nová Síň Gallery in Prague on September 13, we now know more about his “Magic Monsters”.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň

Split personalities, psychological duality, alliance of opposites… the exhibition explores the ambivalence of beings and things… the coexistence of shadow and light.

By invoking magic in the title, the artist casts a spell on us and awakens in us this paradox as fascinating as it is terrifying. Indeed, Nigromancy (black magic) and mageia (white magic) have colored magic for centuries with both evil and beneficial intentions…. like people who waver between the beautiful and the ugly, the good and the bad… an existential dilemma.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň

In the context of this exhibition, we must first outline the very special atmosphere that emanates from the Nová Síň gallery. The showroom is presented as an immaculate cube whose grid floor responds to the structure of the large glass roof which floods the room with diffused and harmonious light. The works themselves, through certain geometric patterns (grids of squares, etc.), echo this matrix, this algorithm. The visitor enters the heart of the system. The symmetry is striking like a reflection… returning like a « shared dream » of the movie “Inception”… disturbing like the bedroom at the end of « 2001, A Space Odyssey »… There is an air of science fiction!

By a regular, airy, linear hanging, of identical large formats, the artist (in the manner of Stanley Kubrick) then knew how to play with the magic of the place and appropriate it to stage the exhibition with cinematographic rigor, and a keen sense of storytelling. In particular, he succeeded in preserving (which was also dear to the American director) the illusion that the light emerges from the scene itself.

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

On either side, the canvases follow each other, the portraits face each other like a guard of honor leading the visitor to the monumental triptych arranged at the back of the room like a sacred altarpiece… a masterpiece!

The triptych obeys several directions of narration that are both alternative and complementary (vertical and horizontal). The composition unfolds from bottom to top like a vaporous allegory of the cycle of life, mixing figuration and Vanitas… Each canvas has a more imposing figure than the others, and a dominant color (bright pink as the common denominator). These figures, invoked, appear as if by magic… bloodthirsty monsters or radiant divinities… superheroes with different supernatural powers. A hand finally emerges from each canvas, expressive and enveloping to form an embrace of the triptych… as if these united figures held the world in their hands… a fraternal unity of humanity… an Ode to Joy!

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

An exhibition being in a way the final and enigmatic sequence of a long creative process of thought and realization of the idea, of the dream, towards the canvas, the visitor placed at the entrance of the room finds himself facing to this triptych like astronaut David Bowman facing the black monolith… a portal to a rebirth!

Exhibition view. Tomáš JETELA “Magic Monsters” in Galerie Nová Síň 

All of the exhibited works thus present much more than the character of a simple object… they are parts, moments, of the artist’s life… priceless!

https://www.novasin.org/vystavy/tomas-jetela-magic-monsters/

www.instagram.com/tomasjetela/

www.tomasjetela.com

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ART THOUGHTS 3

Beyond limits or the format dilemma

Questioning the „philosophical“ importance of the format of an artwork first requires to get rid of the financial and material considerations (this work is over my budget… this work is to big for my place… I don’t really need this work…). Those preoccupations are not exclusive to art (the justification to buy a certain format could be the same for a car or a house…) and linked to a particular place and time.

Buying an artwork because it is fashionable, « miniaturizing » it to make it affordable and movable, splitting it into shares to make it speculable, annihilating a work to make it profitable… as long as there is a specific purpose or constraint behind the acquisition of a certain artwork, the appreciation of its intrinsic value is corrupted. The issue at hand is not possession but emotion.

Considerations of business, social trends, or even reason have do be set aside to concentrate on ones inner feelings, unaltered by everyday life. It does not even need to be passion but something (fascination, attraction, intimidation, repulsion) that moves you from your usual state of being and thinking… something that (consciously or not) challenges your self and routine.

No need to be a collector or connoisseur to experience this introspective process. It is an acknowledgment that can evolve in anyone with time as the enjoyment of art is probably tied to a certain learning process, not only by what you see but also by who you are and what you feel.

From a collector perspective (but also more generally), a smaller format can sometimes appear to mark a comfort zone (as long as it does not turn into rejection guided by the fear of the infinitely large, a claustrophobic instinct of protection). Gaining confidence in yourself and your taste, sheltered and confined, could lead to a point of rupture where its limits are repelled. The acceptance of bigger formats, monumentality and risk could therefore follow the rise of self-confidence… and a certain form of enfranchissement… To refer to the allegory of the cave by Plato it would be „the ascent of the soul into the intellectual world“, into an authentic reality.

There is something intimidating, vertiginous and overwelming about big formats. It is not human-sized, the expression is more free and at the same time more aggressive towards the viewer who his physically in a position of inferiority. But this exposure to looming monumentality is the condition to dive into the work entirely and thereby also into one’s self. It is how the viewer (intended as external and passive to the work) is empowered to be an actor (intended as part of an intimate dialogue with the work and an introspective process). It is up to the person to ascent and become the actor of his own existence, enlightening his soul through art…. and monumentality.

An artwork is not only an object to be possessed but a theater of expression and the realm of transcendence. We remember (scared or fascinated) what lies beyond us and that makes us move forward. This inner value has no worth on the market – because it is invaluable.

ART THOUGHTS 2

Collage and substory telling

The past years have seen the rise of the concept of upcycling. Reusing, transforming, recombining things (clothes, furniture…) to create new ones… for environmental as well as fashionable purposes. 

From this perspective we only think about what’s consumable, material things… but if we switch to the perspective of the immaterial, of our thoughts, ideas and experiences, we could end up with the same upcycling process… 

Our memories, souvenirs, visions, feelings… shards and instants collected and stored in our brain as days and years go by. It is full of images, words, sounds and our dreams are the recombination of those parcels of existence. A dreaming brain is nothing but a creative upcycler… but also a narrator as it tells another (unconscious) story from what it found in its storage. 

Neither truth nor lie, a dream is nocturnal poetry, a theater of experimentation… cut and paste… a collage of our „self“… maybe more objective and real than we would like to admit. All those smithereens of paper, images, isolated words or faces, could be a mess if they weren’t the story of our lives… a psychological dissection. 

A dream, as a collage, is at the same time a process of taking control and losing control. You can’t catch a dream but the dream will haunt your sleep, irresistibly…

The technique of collage seems the closest possible approximation of the dreaming brain and its multilayered architecture… a multifaceted gem. Picking words from texts or faces from an ocean of pictures, recombining them into an elaborate new story,  a new reality (maybe the only one), challenging our certitude. There is no single meaning but an existential quest of understanding. 

A collage would then be an awakened dream… consciousness seizing power of the unconscious. The lonely dreamer suffering through his inner vision makes room for„dream tellers“ and „dream seekers“. The artist and their audience can experience a dream that neither could have dreamt on their own… something universal yet tangible… breaking through the limits of reality to gain eternity.   

TOMÀŠ JETELA : SELECTION D’OEUVRES (VERSION FR)

Outre le format, la composition se démarque par la dynamique des lignes et des couleurs.

La composition est centrée sur le personnage de la jeune fille et du chien qui se tient à ses côtés. Les deux obliques formées par leurs corps se croisent au niveau de la tête de l’animal qui la regarde comme pour la consoler. Légèrement inclinée et le coude apposé sur le dossier de la banquette sur laquelle elle est assise, la jeune fille s’avachit en arrière, donnant un sentiment de profondeur. Les pieds croisés en avant et en pointe comme une ballerine donnent l’impression d’une danse immobile. Son regard suit l’oblique de son corps, encore soulignée par sa chevelure, pour se perdre dans le vide. Le chien, dont le pelage rehaussé de collages bleutés le rendent presque sculptural, semble vouloir percer ses pensées voire la réconforter. Plutôt qu’une caresse amicale, la main de la jeune fille se fond à sa robe comme pour en devenir des plis. Son visage trahit sa jeunesse mais les touches de rouge ajoutent une certaine dramaturgie au regard noir incliné vers le bas.

A l’arrière plan, les collages ne font pas que servir d’ornement ou d’environnement abstrait. Ils se jouxtent, se superposent, dessins noirs et blancs ou photographies en couleurs, sans délimitation nette ni hiérarchie. Une histoire dans l’histoire, une mise en abîme. Des bribes de papier, de déchirures organisées, qui évoquent un bouillonnement d’idées, de pensées… autant de visions du monde extérieur que de souvenirs intérieurs… L’autopsie d’une boîte crânienne en état de réflexion ou de Spleen… Une boîte de Pandore.

Lumière jaillissante ou attaque extérieure, on note également qu’une couche supérieure de collages colorés, forme des lignes aigues qui rayonnent autour de la jeune fille et structure la fragmentation sous-jacente.

Prometheus – 150 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2020

Avec Prométhée, le choix iconographique fait référence au châtiment pour avoir volé le feu aux dieux. Semblant briser la toile comme du verre, le visage du personnage jaillit au centre, dans une posture de trois-quart. Malgré une mutilation au front et les oiseaux déchirant sa peau ; le visage reste impénétrable, sans douleur… malgré les orbites vidées et les joues écorchées qui laissent affleurer le muscle sans effusion de sang et sans un cri.

Ce n’est pas l’aigle du Caucase qui lui dévore habituellement le foie, mais les oiseaux sont tout de même présents dans la scène. Un corbeau et, symétriquement, une colombe en vol, en plus du contraste du noir et du blanc, apportent une certaine agitation à la scène. Lutte entre le bien et le mal ou rivalité autour d’une même proie, leurs plumages portent des traces de sang (mais lequel). La fracas de la scène est accentué en arrière plan par les collages qui forment des éclats, des bris acérés autour de la tête du personnage, comme un vitrail allant du noir au bleu en passant par le bordeaux.

Titan mythologique ou artiste supplicié, il tient un pinceau de sa main droite comme un attribut de saint marthyr. D’un calme défiguré, ce qui reste de regard est orienté vers la pointe du pinceau comme un instrument de pouvoir et de vérité.

Or, Platon écrivait dans Protagoras à propos de Prométhée qu’il vole aux dieux « la connaissance des arts avec le feu ; car, sans le feu, la connaissance des arts était impossible et inutile » … en somme un homme sans vision.

Cuckoo – 170 x 120 cm – Huile sur toile – 2021

Mesurer l’impact de ce portrait passe d’abord par considérer son format. Un visage de presque deux mètres de haut, une palette réduite et un fort contraste (à la manière d’une photographie style „Harcourt“), forcent une présence naturelle. L’ombre et la lumière se confrontent autant qu’ils se confondent dans un camaïeu de gris et d’ocre très clair.

La position frontale et symétrique, associée à une lumière venant de la droite, créé des ombres portées qui sculptent, subliment ou creusent le visage qui semble se diluer dans l’ombre. Aussi mystérieux que sensuel, le visage affiche une dualité affirmée… attraction et danger… une incarnation moderne de la femme fatale dans l’art.

L’effet est encore accentué, outre par le format, par une contre-plongée sur le visage au port altier qui place le regard en position de toiser l’observateur. Les yeux noirs n’en ont pas moins un éclat qui dirigent le regard suivant la diagonale de la toile, comme un rayon, jusqu’à nous. La cigarette pincée entre des lèvres entrouvertes souligne encore cet axe d’ascendant physique et psychologique… sans issue.

Les projections abstraites et grattages de la peinture encore fraîche ne mutilent pas et n’altèrent pas la beauté mais apportent un certain mouvement, une énergie volatile (comme une fumée de cigarette ou une bouffée délirante) à cette apparition.

Šach-mat / Echec et mat – 120 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2020

La composition est colorée et les tons apparaissent plutôt positifs de prime abord allant dans les bleus et les roses vifs. Le fond (qui peut évoquer un mur) est rayé de bleu et blanc mais les lignes sont arrêtées en haut par un aplat de noir (un plafond) et semblent couler plus bas sur le personnage.

La situation est pourtant à l’échec et mat. La concentration et la tension d’une partie sans issue se lisent sur le visage du personnage (les yeux, la bouche…). Le regard oblique est tourné vers le bas, sous un sourcil froncé, en direction de sa main qui cherche nerveusement la solution. Elle est bleutée… une couleur froide comme le geste et comme un sentiment glacé de perdre le contrôle, voire la vie. Le bras est légèrement relevé formant des plis (bruns) agités sur son costume impeccable (qui a des reflets bleutés également). L’opposition de couleurs chaudes et froides, laissent éveiller une fièvre où sueur et frisson oscillent au gré de l’adrénaline… grisé par le jeu… jusqu’à se perdre soi-même.

Le regard n’est pas direct et force l’observateur à l’empathie, à se placer dans cette situation du roi menacé de capture au prochain coup et qui ne peut pas l’éviter… sauf en mettant fin à la partie. Elle peut s’interpréter littéralement mais surtout (et comme souvent) métaphoriquement et plus fatalement car il n’y a pas de plateau de jeu mais des bribes de collages colorés devant cet homme. L’observateur n’est sans doute pas plus un adversaire de jeu que l’homme face à lui-même, affairé à trouver une issue à sa propre existence.

Le visage de l’homme est froid, arborant les même rayures que le fond… réflexion ou disparition progressive de lui-même alors que sa tenue reste parfaitement opaque. L’aplat noir donne le sentiment d’une pièce qui se tasse et écrase le personnage (le ciel lui tombe sur la tête)… les rayures bleues et blanches évoquent alors de plus en plus les barreaux d’une prison (même psychologique) qui enferment l’homme… dans une Cabin Fever… une claustrophobie du Soi qui n’a pour seule frontière que son propre corps.

Zimní slunovrat / Solstice d’hiver – 180 x 130 cm – Technique mixte sur toile – 2020

La toile est d’une intensité et d’un fracas particuliers de par la scène elle-même mais aussi l’organisation des couleurs et la technique utilisée.

Entre lignes convergeant vers le personnage central et les craquellements semblables à une lave incandescente sous une surface noire de roche cristallisée… l’ambiance est aux ténèbres et à l’engloutissement.

Le personnage central apparaît tout à la fois dénudé et revêtu de collages, comme une seconde peau, des lambeaux, jusque dans la représentation des bas. Il se tient à genoux dans ce qui pourrait être une flaque de sang, le pied douloureusement contorsionné pour reposer seulement sur la pointe des orteils. Les bras écartés évoquent comme une crucifixion ou un écartèlement, tandis qu’un pieu est enfoncé au bas du ventre pour venir tracer une nouvelle ligne croisant celle formée par le corps du personnage.

Les touches de couleurs sur le corps ressortent en épaisseur comme des mutilations, des stigmates de martyr. Les bras eux se perdent de part et d’autre, comme brisés ou scellés à l’obscurité. A cet endroit précis, les collages laissent apparaître une capillarité verte qui se forme à la surface, évoquant autant des veines qu’une possible friction, une énergie surnaturelle prête à être délivrée.

A l’angle inférieur gauche de la toile, un avant bras droit (le sien ?) apparaît nettement sectionnée, sans effusion de sang ni crispation. Il semble à la fois flottant et inanimé et revêt presque l’apparence d’un objet de bois. La paume ouverte vers le haut n’exprime aucune douleur mais pourrait suggérer une possible interaction avec le pieu qui se trouve dans l’axe… un sacrifice ou une autogenèse (le culte ancien de Mithra, correspondant à cette période de l’année, ayant toujours lié le sang à la fertilité du sol).

Le visage, quant à lui, n’est pas à la souffrance ou à l’abdication mais exprime plutôt une rage intérieure et déterminée voire vengeresse. Le front haut et la mâchoire serrée rehaussent la ligne des pommettes qui soulignent encore le regard. Le visage incliné, balayé par des cheveux blonds qui retombent en avant alors que les yeux sont tournés vers le haut, en dévoilant jusqu’au blanc inférieur de l’oeil, lui donne un air inquisiteur. L’observateur est placé en situation de témoin voire d’adversaire coupable.

Derrière son visage, on remarque enfin un rayon de bleu clair qui scinde l’obscurité. Le solstice d’hiver se meut en supplice, à l’écrasement maximal du jour par la nuit. Le soleil s’arrêté („sol stat“) et le jour semble en état de résister et repousser les ténèbres… Le bleu agit ici comme une lumière d’espoir, un sursaut de vie au milieu du chaos. La dynamique du cycle du jour et de la nuit, de la vie et de la mort doit se poursuivre encore.

C’est à la fois le „sol invictus“ (soleil invincible) et le „sol natalis“ (sa renaissance).

150 x 100 cm – Technique mixte sur toile – 2021

Ce portrait peut paraître plus anodin par rapport aux oeuvres précédemment évoquées mais présente des singularités et permet d’aller vers l’introspection.

La toile est d’une tonalité très douce avec un fond clair, rosé et presque velouté qui recouvre des collages… comme pour faire table rase du passé de ce support et écrire une page nouvelle. Le fond est uni mais on devine encore certaines formes (devenues abstraites) en transparence.

La femme est positionnée en buste, de face, et ordonne une certaine symétrie à la composition. Sa carnation qui tend vers le beige-rosé répond élégamment à la couleur de l’arrière plan, tandis que sa coiffure brune toute en volutes et courbes, apporte à la fois contraste et mouvement (avec une légère inclinaison de la tête) sans rompre l’harmonie des lignes.

Le visage apparaît sans tension mais méditatif, distrait. Le regard brun n’est pas dirigé vers l’observateur mais un peu déporté et semble perdu dans le vide… à cet instant de „bug“ (parfois de Spleen) où l’esprit cesse d’analyser le monde extérieur pour se focaliser sur une pensée intérieure… hors du temps et de l’espace. L’observateur est naturellement aspiré par l’empathie et voudrait bien connaître la pensée de cet instant. La bouche légèrement entrouverte de la jeune femme et sa main droite délicatement posée sur son visage, alors qu’elle est accoudée à une table, accentue encore cette apparence de „Penseuse“. La main est stylisée, à la fois dissimulant et dévoilant le visage… comme une possible hésitation. Quant à sa main gauche elle est posée sur la table et forme une ligne inclinée, parallèle à sa clavicule marquée, pour balancer le corps en avant et suggérer le mouvement du bras hors du champ de la toile.

Quant au traitement singulier de la toile par le grattage de la couche supérieure de peinture, cela scelle une forme de rencontre entre expressionnisme figuratif et abstrait. Les courbes se creusent en filigrane comme une calligraphie ou un graffiti. Malgré la profondeur que cela inscrit dans la matière, elle n’apparaît pas cicatricielle et n’altère pas la beauté du personnage. Elle ajoute même un mouvement et de la rondeur à la composition tout en accentuant un certain état de confusion… des pensées qui se mêlent et tourbillonnent comme une tempête intérieure… le doute.

Velcí kamaradi / Bons camarades – 200 x 150 cm – Technique mixte sur toile – 2018

Le titre de la toile nous oriente, non sans ambiguïté, vers l’interprétation d’une scène de „bons camarades“. Les deux personnages sont chacun accompagnés d’un crâne (sans mâchoire) posé sur leur épaule… l’un rouge l’autre bleu… une couleur chaude et une couleur froide qui contrastent fortement et pourraient traduire une différence de personnalité, de tempérament ou de destin (plus ou moins négatif).

A voir ces deux jeunes hommes côte à côte (l’un accroupi et l’autre assis à ce qui pourrait être un bureau), assez décontractés et joviaux, le regard tourné l’un vers l’autre et la main posée sur l’épaule, on pourrait déceler dans ce geste de complicité et de confiance, une simple camaraderie de longue date. Pourtant, si l’on suit les regards et les lignes de la composition, cette interprétation devient trop partielle. En effet, les regards entre les deux camarades pourraient tout aussi bien être dirigés vers leurs crânes respectifs en raison de la proximité telle à leur visage qu’ils se touchent et semblent presque être la deuxième tête d’un même corps. De même la main qui est posée sur l’épaule droite du personnage de gauche ne provient pas forcément de l’autre homme mais pourrait être une accolade de la mort elle-même.

Ce n’est plus une scène de camaraderie de deux hommes mais la camaraderie de l’homme (la vie) avec la mort (comme un double portrait)… voire d’une camaraderie « d’ensemble » des deux hommes et de leurs destins respectifs comme un tout indissociable et universel. On se promènerait alors toujours avec notre destin sur l’épaule comme un singe domestiqué mais resté sauvage et imprévisible… incontrôlable… Le destin pour meilleur et fidèle camarade.

Quant au fond, il est composé en haut de collages imprimés de textes, de dessins et de gravures variés comme une archive de connaissances et de souvenirs passés tandis que devant eux et formant une sorte de bureau, les collages sont plus géométriques et abstraits et pourraient évoquer l’avenir encore à explorer, à conquérir… mais à la fois incertain et à écrire… jusqu’au point final dicté par le destin.

Une double vanité dans toute sa splendeur.

Rusalka – 40,5 x 29,6 cm – Huile sur papier – 2020

L’oeuvre n’est cette fois ci pas sur toile mais une huile sur papier, ce qui donne le sentiment d’une touche plus épaisse (le support étant fin) et „sèche“. Le format et les tons plus réduits contribuent également à un aspect particulièrement vif et spontané des lignes… une confrontation plus direct et intimiste au sujet… d’autant que la position est parfaitement frontale et symétrique.

Rusalka est une référence à la mythologie slave (devenue une figure romantique importante tant dans la littérature, la musique que dans la peinture). On est naturellement tenté ici de mettre en visage sur la Rusalka de l’opéra de Dvorak…. Il s’agirait alors d’un portrait non idéalisée de cette créature des eaux qui a abandonné sa voix pour regagner la terre des hommes. Ses espoirs d’amour déçus, elle est finalement condamnée à errer comme un fantôme (Bludička ) pour avoir été rejetée par le Prince ; avant le temps des regrets et qu’il ne revienne au lac l’implorer de lui donner un baiser mortel.

Si l’on poursuit ce parallèle musical qui invite à regarder Rusalka comme on en écouterait sa voix… la pâleur du visage, le front découvert mais les cheveux bruns ondoyants (peut-être même humides), le regard noir et sévère ainsi que les joues creuses, nous invitent à situer cette apparition à la fois belle et terrifiante dans le troisième acte… à cet instant tragique du livret de Jaroslav Kvatil où Rusalka maudite, mais encore éprise, déclame au Prince revenu l’implorer : „ Ni vivante ni morte, ni femme ni nymphe / maudite, j’erre comme un fantôme, / en vain, pour un moment dans vos bras / j’ai rêvé de mon pitoyable amour. / Votre amante j’étais, / mais maintenant je suis seulement votre mort ! “

( Živa ni mrtva, žena ni víla,
prokleta bloudím mátohou,
marně jsem chvíli v loktech tvých snila
ubohou lásku, lásku svou.
Milenkou tvojí kdysi jsem byla,
ale teď jsem jen smrtí tvou! )

ERIC LACAN : SELECTION D’OEUVRES

Jamais croyante, toujours pratiquante – Acrylique sur bois et feuilles à dorer – 80 x 60 – 2019

Avec cette première oeuvre, on apprécie ce qui caractérise plus largement son œuvre… à savoir une palette réduite qui permet de se concentrer sur la finesse du dessin et des détails… proche de la gravure.

Les touches de blanc en arrière plan mais qui se voient en transparence apportent de la lumière à l’instar d’un rehaut. Le blanc n’épouse toutefois pas les lignes du dessin mais sont des notes abstraites et spontanées, presque accidentelles qui apportent une dynamique particulière à la composition.

Le support en bois donne un ton chaud à la composition mais aussi un peu vintage, à la manière des photographies anciennes. La bordure un peu plus foncée permet de se focaliser sur le personnage central.

La beauté du personnage féminin qui se tient au centre contraste avec le crâne qu’elle tient entre ses mains. Dans l’histoire des vanités, on ne ressent pas la crainte en jouxtaposant la vie/la jeunesse et la mort… Il en va de même ici, alors même qu’un second crâne se distingue en filigrane devant le visage de la femme, comme une projection de son destin. Elle le chérit même comme l’une de ses possessions, un accessoire précieux qui souligne encore sa beauté. Elle se tient debout, le port haut dans une robe dos-nu, le visage tourné vers l’arrière sans toutefois regarder l’observateur. Le regard est assuré et encore affirmé par la frange d’un carré impeccable.

Le portrait tutoie également la nature morte car on retrouve les fleurs noires et blanches « signature » d’Éric Lacan, à la fois sur sa tête et dans son dos, comme un autre accessoire de beauté mais aussi une nouvelle allusion à la vie en parfait état de floraison mais éphémère. Une fleur dorée vient rappeller le bijou sur son visage.

Un élégant Memento Mori.

Botched Sleeping – Acrylique sur toile – 146 x 140 cm – 2020

Sur cette toile, on remarque à nouveau le pouvoir dynamique voire explosif du blanc pour éclairer la composition et faire ressortir tous les détails du dessin. Le contraste avec un camaïeu de gris apporte, peut-être paradoxalement, une grande douceur et harmonie à l’ensemble puisque les tons se fondent parfaitement et se renforcent autant dans la lumière que dans l’obscurité… l’alliance des contraires.


Une jeune femme est toujours présente au centre (mais peut-être moins protagoniste dans cette oeuvre) car elle apparaît comme un élément plus immobile… une fleur parmi les fleurs… une nature morte. Elle n’est pas au premier plan mais un peu en retrait, le corps de profil et le visage légèrement tourné vers l’observateur. Ses yeux et une partie de son visage comme son corps restent dans l’obscurité. Autour d’elle, de nombreux éléments semblent comme jaillir de la toile. Depuis le bas de la composition jusqu’en haut, on retrouve les fleurs noires et blanches et des branchages. A ses côtés et au premier plan, un vautour tenant un petit crâne dans son bec viendrait presque lui voler le rôle principal… Le rapace dévoreur de charognes et la belle jeunesse cohabitent à nouveau (paisiblement bien que leurs regards soient dirigés à l’opposé l’un de l’autre).


On aperçoit également une double évocation de la mort avec des crânes parfaitement représentés… telle une gravure anatomique… Ils semblent flotter voire projetés dans l’air. Celui en haut à gauche a la mâchoire ouverte et l’on ne saurait dire s’il avale ou recrache des fleurs mêlées de plumes (de vautour ?). L’autre crâne a également une fleur entre les dents mais dissimule une partie du visage de la femme pour ne laisser apparaître que son oeil droit…. donnant l’illusion d’un casque… fatal.


Plutôt migraine ou insomnie ? …..

Botched Sleeping (détails) – Acrylique sur toile – 146 x 140 cm – 2020

Retour sur l’oeuvre précédente mais avec un gros plan sur… le vautour.

C’est un aspect du travail d’Eric Lacan que je n’ai pas encore abordé. En effet, si l’oeuvre dans son ensemble témoigne d’un soin scrupuleux des détails et d’un grand sens de l’observation, il faut s’intéresser ici à l’animal.

Oiseaux, rats, chats ou autres animaux que d’aucuns qualiefieraient parfois de « nuisibles » s’invitent souvent dans ses oeuvres voire en deviennent le sujet principal. On se retrouve à nouveau face à une parfaite connaissance anatomique de ces animaux, à la manière d’une gravure scientifique… le contraste du noir et du blanc ne faisant que rehausser la précision du trait.

Avec ce vautour, on remarque qu’il bénéficie, en transparence, de la lumière apportée par le blanc appliqué comme fond relativement abstrait. On peut d’ailleurs encore voir les traces de pinceau, brossé, en arrière plan. En plus de la couleur, cela ajoute également un contraste par rapport aux détails de l’animal et à la touche quasi-imperceptible.

Le duvet de la tête et son long cou est plus fin et velouté que celui du bas du cou qui forme une colerette assez légère et volatile alors que le plumage du corps est plus lourd, formé de véritables plumes. En l’observant on a donc une appréciation immédiate de la « texture » de l’animal. S’agissant d’un vautour, le conduit auditif est apparent et la peau marque des plis autour de l’oeil. Il tient un crâne humain miniature dans son bec acéré (étant certes nécrophage mais ne pouvant transporter grand chose avec ses pattes non préhensibles).

C’est l’occasion de confronter les regards et d’établir un nouveau rapport de force entre l’homme et l’animal ; tout en rappelant que d’une certaine manière la vie se nourrit aussi de la mort.

Les oiseaux de la voisine – Acrylique sur toile – 162 x 130 cm – 2020

Je ne reviens pas ici sur l’utilisation du blanc et la précision technique du dessin.

Cette composition est d’une beauté ambiguë parce qu’elle suscite à la fois l’attraction et le danger.

Tout d’abord, les deux femmes aborent chacunes un vêtement élégant à motifs dévoilant des épaules séduisantes. Le buste et le visage de trois-quart, elles regardent l’observateur droit dans les yeux avec détermination. L’une se tient légèrement plus haut que l’autre, formant une belle diagonale dans la composition.

Cette diagonale, la posture et le regard me font penser à une carte de jeu… une dame de pique… femme fatale.

Les deux femmes apparaissent aussi complices par le leur proximité que rivales en étant dos à dos. Elles sont coiffées de crânes, de fleurs et de branchages qui sont comme des accessoires de mode dévorants et sublimes. On remarque alors un corbeau bec ouvert et les ailes déployées, ainsi que plusieurs oiseaux (des merles ?) en détresse ou morts… les fameux « oiseaux de la voisine » sont en mauvaise posture…

Le détail le plus fatal est sans doute contenu dans le geste de la main délicate de la femme de droite qui tient un oiseau mort (tête en bas) pincé entre ses deux doigts, sans grande affliction mais plutôt comme un trophée de chasse… Une Diane toute puissante !

Doubts And Conviction – Acrylique sur toile – 130 x 97 cm – 2020

On s’attarde à nouveau ici sur le détail animalier et floral d’une oeuvre. On y découvre un autre spécimen de vautour dont on remarque qu’il n’est pas de la même espèce que le précédent. Son duvet soyeux et brillant recouvre également son visage et participe à dessiner un regard affirmé, tout en accentuant le mouvement ascendant déjà annoncé par la courbe prise par son cou jusqu’à la pointe de son bec crochu.

La trace blanche suit la même oblique et semble baigner le visage de l’animal de lumière autant qu’elle sert de rehaut en arrière plan.

La juxtaposition du duvet avec l’aile de l’animal permet de faire ressortir le contraste et de comparer la texture des plumes. Les ailes ont des plumes beaucoup plus noires et rigides. On mesure alors mieux l’envergure et la force du carnassier. Sous lui, les fleurs semblent au paroxysme de leur floraison et de leur beauté… à moins qu’elles ne soient éternelles. La finesse et la fragilité des pétales est palpable… tranchant avec la robustesse du vautour qui pourrait, d’un battement d’ailes, faire s’envoler ensemble plumes et pétales… les deux ayant pour qualité commune cette grâce volatile et éphémère.

Pourvu qu’on ne s’y habitue jamais…. – Acrylique sur toile – 146 x 114 cm – 2019

On retrouve dans cette composition, plusieurs caractéristiques évoquées précédemment en termes de lumière et de réalisme du dessin.

Ici la femme est seule au centre de la composition, émergeant parmi les fleurs et concentrant la lumière autour d’elle. Le visage légèrement en arrière et l’oeil dirigé vers l’observateur lui donne un air élégant et imposant. Son visage est à moitié dissimulé et sa tête ornée d’une coiffe démesurée composée de trois grands crânes, de fleurs, de branchages, d’un squelette de poisson et d’un lucane placé tout en haut comme juché sur un poste d’observation.

On discerne malgré tout la naissance de sa chevelure depuis sa nuque et qui remonte pour se fondre dans ce couvre-chef aussi superbe qu’excentriquement fatal. Autre accessoire, en guise de boucles d’oreilles, pendent de petits poissons, comme ferrés par l’attrait de sa beauté. La mort apparaît alors bien futile.

L’organisation des différents éléments, le corbeau au premier plan, ainsi que les traces de pinceau à l’arrière plan, donnent un mouvement ascendant à la composition, une agitation tourbillonnante ; explosive. Plus peut-être que sur les autres toiles présentées jusqu’à présent, on remarque les coulures de peinture (tantôt grises, tantôt noires comme l’encre) qui apportent une certaine dramaturgie. La nature morte suinte comme une pluie (d’eau ou de sang), tandis que le blanc sur la joue de la jeune femme laisse apparaître ce qui pourrait être des larmes… une égérie de la nature mourante.

Best Song to Listen to When You’re Buried Alive – Acrylique sur toile – diam 120 cm – 2020

On termine cette sélection par un focus sur un autre détail d’oeuvre.


La fusion, et même la confusion de la mort et de la vie, y est totale puisque l’on découvre le crâne non plus comme élément extérieur ou accessoire, mais directement en transparence, sous la peau visage de la femme… comme une radiographie. La mort est intériorisée et incarnée.

Sa bouche entrouverte nous conduit naturellement et sans rupture vers une rangée de dents et une mâchoire osseuse qui contraste avec la douceur de la pommette et de la joue encore charnues qui la découvrent.


Son regard brillant et éclatant de jeunesse et de vie, est porté directement sur l’observateur. Aussi séduisant soit-il, il est aussi, tout en même temps, le regard et le miroir de la mort… L’orbite de son oeil gauche apparaît d’ailleurs plus creusé et « crânien ».
Les fleurs se mêlent à ses cheveux dans un mouvement à la fois rond et léger, tandis qu’un branchage donne l’impression qu’elle a des bois sur le côté gauche de sa tête.

C’est enfin et surtout le cercle doré et ornementé qui entoure son visage qui attire l’attention et sublime ce détail du tableau. Non seulement, la forme fait écho au format rond du tableau, mais il créé une aura de lumière, et même de sainteté, autour de cette figure nimbée… une icône.

STAN MANOUKIAN – SELECTION D’OEUVRES

Hariel et Haziel – 28 x 24 cm – Mine de plomb – 2019

La composition est parfaitement équilibrée avec une végétation au premier plan qui accompagne un mouvement ascendant vers les deux personnages principaux qui semblent en apesanteur dans l’air.

La légèreté est encore renforcée par le détail du dessin qui contraste avec le vide en arrière plan. L’attention est naturellement appelée par les deux créatures imaginaires mi-mammifères mi-oiseaux. Leurs regards écarquillés dirigés vers l’observateur et la moue sur leur museau traduisent un état de surprise voire de culpabilité… On s’attendrait presque à un « c’est pas moi c’est lui »… Est-ce que la fleur ne devait pas être cueillie ??

La scène inspire naturellement la sympathie. L’équilibre tient à la position des personnages dans la scène et des petits insectes (à un oeil) qui se trouvent autour d’eux. Il tient également au traitement des personnages et la transition imperceptible entre pelage, plumage et végétaux… rendant l’apparition crédible.

Le personnage central, en plus des ailes déployées, est couronné d’excroissances végétales qui ajoutent une certaine prestance, tout en élevant encore le haut de la composition.

Un dessin technique et « kawaii » à la fois !

Angel – 38 x 29 cm – Mine de plomb – 2019

Par rapport au précédent dessin, la composition est plus grande mais aussi plus dense et en clair-obscur. La végétation est omniprésente à l’avant comme à l’arrière plan, formant une sorte de nid, de cache aux personnages. Ce n’est ni de l’infiniment grand ni de l’infiniment petit mais une autre dimension.

La lumière a une origine mystérieuse et semble à la fois jaillir d’une faille dans le sol et de la nimbe au dessus du personnage principal qui trône massivement au centre. L’aura forme une zone doucement arrondie renforcée en bas par le mouvement du bras gauche du personnage principal et en haut par de multiples créatures curieuses ou espiègles qui lévitent autour de lui. L’orbe sacrée semble les aspirer, les faire voler avec une plus grande force à mesure qu’ils s’en rapprochent.

Sa posture de trois quarts, les ailes dévoyées, le regard écarquillé vers le haut et la main droite relevée lui donne un air de majesté, de protecteur. Entre ses bras, six autres créatures (d’une même espèce) sont assises sur lui, d’une humeur assez boudeuse, les sourcils renfrognés, et assistent à la scène comme depuis une tribune.

Un instant mystique.

Lady Whoo Hoo – 20,32 x 25,4 cm -Encre sur papier – 2020

Retour sur un format plus réduit et aérien. L’ambiance n’est pas celle d’un crépuscule boisé mais plutôt d’une promenade diurne en plein air.

La clarté tient aussi à une technique différente (et qui ne donne pas le droit à l’erreur) qu’est l’encre sur papier. Le trait est donc plus acéré et plus franc qu’avec la mine de plomb. Le rendu est alors plus proche de la gravure.

La composition parfaitement symétrique avec le personnage central, posté de trois-quart, le regard tourné vers l’observateur. Il est couronné de branchages qui forment une coiffe à la fois imposante et pourtant légère. Les ailes repliées le long du corps forment comme une robe entre plumage et végétation.

De part et d’autre, deux acolytes se tiennent debout, perchés sur de longues jambes… Mi-renards mi-oiseaux.

Au sol, une végétation moins fournie dans laquelle on distingue encore quelques créatures… Deux créatures bougones sur la gauche… Deux également sur la droite, l’une hilare et l’autre au brushing impeccable.

A bien y regarder, on dirait une photo de famille un peu vintage. Les personnages prennent la pose devant l’observateur, les grands derrières et les petits devant… On décèlerait même un soupçon d’impatience voire de mauvaise grâce chez certains.

« Cheese »!

Springtime – 70 x 80 cm – Encre sur papier – 2019

A nouveau, un plus grand format mais toujours avec la technique de l’encre. On constate que cette technique ne pénalise ni la richesse des détails, ni la crédibilité des textures, ni même les jeux d’ombres et de lumières. Le trait est net avec un rendu presque métallisé proche de la gravure une nouvelle fois.

La scène a quelque chose de magique, d’un évènement auquel toutes les créatures de la forêt viennent assister avec curiosité et surprise. Toutes semblent s’être pressées autour du personnage principal. L’observateur que nous sommes est venu aussi avec eux.

La scène est encadrée par la nature (végétation et arbres) mais elle n’est pas « fermée » puisque l’on distingue un horizon brumeux peut-être même pluvieux.

La créature anthropomorphe n’a pas de pupille ce qui lui donne un caractère mystique. Elle semble en train de se relever voire de s’étirer, comme tirée d’un profond sommeil. Son corps engourdi, couvert de végétation réapprend lentement le mouvement. Elle est coiffée dune sorte de buisson rond généreusement fleuri. Dépassent quelques branchages dont certains forment des cornes-écorces autour desquelles papillonnent quelques créatures enthousiastes.

Elle incarne le printemps et le réveil de la nature… Signal pour toutes les créatures venues au rendez-vous, que les beaux jours reviennent.

The Umbrella – 27,94 x 35,56 cm – Mine de plomb – 2020

On alterne encore une fois avec un plus petit format à la mine de plomb.

La végétation est encore très présente et maîtrisée.

L’atmosphère brumeuse à l’arrière plan met parfaitement en valeur les personnages regroupés au centre.

La composition, symétrique de part et d’autre du personnage antropomorphe, est d’une grande harmonie.

La créature centrale, plus grande que les autres, une nouvelle fois sans pupille et couronnée de feuillages, se tient debout et dans une position très élégante… en contrapposto. Elle tient entre ses mains la tige d’une plante qui lui sert de parapluie et forme derrière elle un cercle tel une nimbe végétale qui accentue encore sa candeur.

Elle apparaît comme une divinité protectrice, les créatures plus petites étant regroupées sans crainte autour d’elle pour s’abriter de la pluie.

On remarque naturellement la finesse de la représentation de la pluie… les lignes qui srtillent le ciel, les gouttes qui tombent du bord du parapluie jusqu’à celles qui éclatent à la surface d’une flaque qui irradie le sol de lumière.

Une œuvre de saison !

A New Friend – 27,94 x 35,56 cm – Pierre noire – 2020

Même format que l’œuvre précédente mais avec un rythme, une lumière et une ambiance très différents.

Au cœur d’un marais, l’environnement est plus densément boisé et moins végétal… le soleil peine à traverser. On s’avance au cœur d’une nature sauvage et préservée.

La composition suit la courbe des troncs qui rendent l’endroit mystérieux et impénétrable sans toutefois le rendre totalement hostile. Des champignons et une légère végétation ont même réussi à pousser sur l’écorce.

La scène n’est pas figée dans une pose mais en mouvement doux. Le moment est plus intimiste et l’observateur se tient sans un bruit, au loin.

C’est l’instant d’une rencontre entre une petite créature portant des sortes de bois, assise sur le tronc avec un air aimable et surpris, et une plus petite créature qui se tient debout et à l’air particulièrement enjouée. Le doigt en l’air, elle semble en pleine démonstration.

Le soleil perce à travers les feuillage et irradie précisément les deux personnages au centre de la composition depuis l’angle supérieur gauche de la composition. La lumière contraste avec l’ombre alentour et créé un clair-obscur plein de poésie. Le mouvement descendant de la lumière est accentué par les trois silhouettes de petites créatures en arrière plan qui gambadent joyeusement sur un tronc… Peut-être vont elles rejoindre les protagonistes ?

Une œuvre bienveillante.

All good dogs are for wolves – 85 x 65 cm – Graphite sur papier – 2021

On termine avec l’œuvre la plus récente mais aussi la plus grande.

La composition suit une diagonale soulignée par le tronc d’un arbre penché… pousse naturelle ou trop de monde serait-il venu s’y percher…?

L’ambiance est à nouveau très boisée et sauvage… secrète… La lumière est cette fois surnaturelle, mystique, plus que naturelle puisqu’elle semble jaillir d’une brèche dans le sol, entre les végétaux et un petit promontoire rocheux semblable à des orgues basaltiques.

Les créatures se sont pressées là, au bord du rocher et sur les branchages alentours pour voir ce qui se passe… magie, trésor, apparition mystérieuse ou bien seulement un gang de lucioles…?

La créature la plus imposante arbore de très longues ailes qui retombent le long de son corps comme une cape battue en avant par le vent… perpendiculairement au tronc sur lequel il est perché… ce qui donne une dynamique particulière et un mouvement à l’ensemble.

Il semble surpris qu’un oiseau se soit posé sur sa tête tandis qu’il se cramponne à une branche comme un sceptre ou une crosse… qui lui donne un air de Puissant de ce monde forestier… magicien, roi, évêque ou bien oracle…

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ART THOUGHTS 1

Trying to identify the intrinsic power of an artwork is not an easy feat for the viewer or collector. Putting feelings into words is not much easier, as painting is not a talkative approach to art. Films, theater plays or books have the advantage of having both time and words to convey an idea, build an atmosphere or express a feeling.

But painting like music relies on a very different language that mainly depends on rhythm. The rhythm of a painting is a combination of factors, from the choice and frequencies of forms and colors to the very gesture of the brush on the canvas. Sequencing the movement of painting would be like writing a partition, directing a symphony…

A painting is the static result of this flow concentrated into an instant… a pure synthesis.

A painting cannot call out to the viewer but an exceptional work is able to catch their attention instantly without superfluous agitation or pretension.

The harmony of rhythms in its composition vibrates imperceptibly and communicates their energy beyond the frame.

The viewer is „grabbed by the scuff of the neck“ and can only surrender themselves to paying attention to the work. Whether it is a shiver of amazement or discomfort doesn’t matter, as long as there is emotion.

An exceptional artwork cannot just be decorative but provokes a process of introspection. The mind of the viewer is sucked into the painting, digested, and restituted with new views on themselves and life in what I would call symmetrical incorporation, as the painting and the viewer both give something to each other. The viewer is not a passive receptor but an active part of the process.

Achieving this level of synergy is rare… a treasure hunt (probably personal) with no map included ;).